Kenjirō Okazaki

TOPICA PICTUS / La Cienega

17 de julio – 14 de agosto, 2021
Los Angeles

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Blum & Poe se complace en presentar TOPICA PICTUS/La Cienaga, de Kenjirō Okazaki, artista afincado en Tokio. Se trata de un conjunto de veinte pinturas abstractas, cada una acompañada de un breve ensayo e imágenes de referencia, que funcionan como componentes clave para ofrecer al público experiencias a múltiples niveles. Esta es la cuarta presentación de Okazaki con la galería y sigue al reciente anuncio de su representación.

En una serie en curso que desde el inicio de la pandemia de la COVID-19 comprende ya más de 150 obras, las obras expuestas se realizaron como respuesta a la situación sin precedentes de coexistencia aislada, la suspensión del tiempo y el espacio, y la percepción de pérdida de la experiencia táctil o concreta que ha afectado de manera significativa a nuestra realidad social. Para el artista esta situación ha ofrecido la "posibilidad de ir a todas partes porque no podemos ir a ninguna", la oportunidad de emprender un viaje en solitario. Mientras realizaba estos cuadros, Okazaki considera que la multitud de cuestiones a las que se enfrenta históricamente la pintura es similar al descubrimiento de un lugar. Es decir, cada cuadro se enfrenta a una cuestión única y permite que surja un topos (lugar) único. El término topica en TOPICA PICTUS se deriva del Ars Topica (Los temas) de Aristóteles sobre el arte de lo dialéctico, y se asocia con topos, que indica un lugar. En el transcurso de la obra, Okazaki no sólo recordó objetos de la historia del arte, como máscaras africanas, manuscritos decorativos y coloreados, rollos pictóricos de la era Kamakura, pinturas japonesas de la época de Momoyama, arte renacentista, impresionista y modernista, sino también mapas medievales, imágenes de Dumbo, Pearl Harbor y Google Earth. Nosotros, los espectadores=lectores, podremos leer la inesperada red de sensibilidad y pensamiento que se extiende entre diversas obras literarias y artísticas, trascendiendo el tiempo, el espacio y las diferencias culturales.

En su cuadríptico—Antaninaomby / Ataokoloinona (Water a Strange Thing) 水のヘンテコなもの; Kilimanjaro / Wakonyingo (Bring negative spirits)カラッポのたましいを運ぶ; Asase Ya / 河を産めば畑をうるおすさ; Nyame / 空はなんでもみているさ (2020), sus referencias abarcan la simetría matemática, mitología africana, máscaras beduinas, dibujos de proporción humana de Francesco di Giorgio Martini, mapas antropomórficos del siglo XVII y esculturas de David Smith. Okazaki compara este proceso con el problema de los tres cuerpos en la mecánica celeste: "Cuando hay tres o más estrellas con masa suficiente para influir en la gravedad de las demás, el movimiento de éstas se vuelve casi impredecible… funcionan y se entretejen múltiples acciones, y el conjunto se mueve". Los cuadros no funcionan como correlaciones formales a la obra de referencia, sino como pistas creativas que codifican las distintivas narrativas visuales y literarias de Okazaki que circunnavegan un topos.

Hina-phases of the moon, Tunaroa-the father of eelsHina-fases de la luna, Tunaroa-padre de las anguilas月日の満ち欠け (2020) reúne una constelación de relatos. En su texto, aprendemos cómo la forma de "lago en el mar" de Tongareva (el atolón Penrhyn de las Islas Cook) se asemeja a la vista de Google Earth de la isla en el centro: una tierra totalmente oceánica delineada por una fina capa atmosférica. Okazaki cuenta la leyenda de Hina, una diosa polinesia relacionada con la luna y responsable de la creación de los cocos, que se dice crecieron tras una fuerte lluvia en el lugar donde fue enterrada la cabeza decapitada de su amante, Tuna, dios de las anguilas. Okazaki relaciona la división de la pulpa blanca interior del coco, te roro o te Tuna (los sesos de Tuna), con la forma de Tongareva. Hay una referencia implícita a Cocos llorando (1951) de Frida Kahlo (que curiosamente forman parte de la colección del LACMA), donde caen lágrimas de los ojos de un coco (de Tuna). La curva oscura, morada y ondulante de la esquina superior izquierda del cuadro de Okazaki une los relatos (la forma de Tongareva, la luna, Kahlo) tal vez advirtiendo de la crisis del agua que enfrenta la Tierra en la era del post-antropoceno.

En otra obra, la clara división de la parte superior e inferior del marco de madera de Open Sea, Stormy Weather/Mar abierto, temporal / 潮水の波、真水の滝 (2020) articula la división vertical entre las pinceladas horizontales de color morado y negro de la izquierda y la espumosa cascada azul de la derecha. Aunque hay claras referencias formales del feroz movimiento perpendicular del viento y la lluvia que se cruzan en Tormenta sobre el mar (c. 1824-1828) de John Constable, o a la textura visceral del oleaje agitad de En el mar, tiempo de tormenta (1880) de Claude Monet, Okazaki capta también la sensación de inmersión y renacimiento plasmada en Dragón y nubes (1599) de Kaihō Yushō, que muestra a un poderoso dragón emergiendo de una nube en espiral. Así, TOPICA PICTUS implica una multiplicidad de lugares (un conjunto de temas) generados a partir de los procesos de pensamiento creativo del artista. Iwanami Shoten publicará este otoño una recopilación de ensayos que acompañan a cada obra de TOPICA PICTUS.

Kenjirō Okazaki (n. 1955, Tokio, Japón) vive y trabaja en Tokio. Su obra se presentó en las exposición en dos partes del curador independiente Mika Yoshitake en 2019 en Blum & Poe, Los Angeles, Parergon: Arte japonés de las décadas de los 80 y 90. Su obra se ha presentado en exposiciones individuales de numerosas instituciones, entre otras, el Museo Nacional de Arte Moderno, Tokio, Japón (2020); Toyota Municipal Museum of Art, Toyota, Japón (2020 y 2019); Kaze-no-sawa Museum, Kurihara, Japón (2016); BankArt29, Yokohama, Japón (2014); Museo Contemporáneo de Arte, Tokio, Japón (2009); Museo Sezon de Arte Moderno, Karuizawa, Japón (2002); y Museo de Bellas Artes de Agen, en Agen, Francia (1994). Su obra está representada en las colecciones permanentes del Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima (Japón), el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio (Japón), el Museo de Arte Moderno de Toyama (Japón) y la Colección Rachofsky de Dallas (Texas), entre otros muchos museos. Las publicaciones de Okazaki incluyen Abstract Art As Impact: Analysis of Modern Art (Aki Shobō, 2018), que fue galardonado con el Premio del Ministerio de Educación en Bellas Artes 2019, y Renaissance: Condition of Experience (Chikuma Shobō, 2001/Biblioteca Gakugei de Bungeishunjū, 2014). Venerado profesor, fundó y dirigió el Yotsuya Art Studium en 2004. Recibió la beca de investigación para artistas del Smithsonian en 2014 en el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. Actualmente es profesor visitante en la Universidad de Arte de Musashino y la Universidad de Tokio.

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Selected Works

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